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NAUFRAGO

The emotional tension of Attilio Scimone’s work arises from a lyrical variation applied to the diverse subjects–objects he employs, exploring and interweaving the consciousness of his own gaze and that of others through the solitary use of cuts, or through the gentle convulsion of dusty, dense yet light marks. In this way, the artist reinvents and distances the ghosts of a Magritte-like nature, transforming the fiction of a photographic shot into a concrete and tangible perceptual mode.

The world Scimone speaks of in his photographs exists, but only within the boundaries of his works, within the sensitive intuitions of his scored and scratched visions. Data borrowed from objective reality acquire new meaning within a compositional space that suggests synthetic laws of plasticity and rigor, continually shifting between extreme poles of black and white. Within the tonal variations of the greys embraced by the scene, a multiplicity of meanings unfolds, oscillating between sinking and revelation.

Sinking and revelation become the protagonists of a personal idea of narration, understood as thought in transformation. For Scimone, the language of scratches produces deliberate disruptions whose precise function is to bring forth the subterranean narrative hidden beneath the skin that wraps his subjects. It is like a journey backward, using the mark to reach an understanding of the original gesture, and from there to explore spontaneity, nature, life—elements weighed in their material solidity rather than in empty appearance.

In this way, the outcome he achieves expresses the concept of a spatial realism, where the image narrates and the scratch reveals the atmosphere and the space in which emotions breathe and the tensions inherent to his chosen subjects unfold.

How could one not think of his series of social shipwrecks, gathered under the title #habitat, which tell stories belonging to each of us: the desolate, inhumane stories of industrial archaeology, or the cruel and senseless ones produced by the perverse development of constructions that have violated the outskirts of our cities? And how could one fail to recognize, in these contemporary icons, the same nature found in the series #relitti, where fragments of “death boats” are torn from the silence of the sea floor to become testimony—the failure of a project of hope for many people, the humiliation of meaning itself.

The image always demands a surpassing of vision, suggesting a continuous perceptual shipwreck. His scratches render the artist a bipolar protagonist of a destiny suspended between executioner and victim; his marks humanize even objective reality, allowing us to perceive it as a presence that at times reaches a visionary, blurred dimension.

Thus we are welcomed by the series #silenzi, with its synthetic and evocative images; by the emblematic portraits of #noi; by the noise of #voci, which records an expanded everyday life; and finally by #oltre, where man is sought as the connective element between different religions, united by the centripetal force of prayer, understood as an elective dialogue between ourselves and that which is complementary to us.

The synthesis of this process leads Scimone to rediscover himself in the oxymoron of a “silent baroque” of visual representation, achieved through a descriptive and narrative cut that is only apparently framed—surgical, composed, detailed, and infinitely varied. To the viewer, instead, is offered a synesthetic disorientation, a contamination of the senses, in which the expressive force of the images flows into the realm of poetry, understood as intimate adherence, as fragile contact.

Antonio Vitale

La tensione emotiva dell’opera di Attilio Scimone muove da una variazione lirica sugli svariati soggetti-oggetti utilizzati, esplorando ed interpolando la coscienza dello sguardo proprio e altrui attraverso il solitario uso di tagli o la carezzevole convulsione di polverosi fitti e leggeri segni. In questo modo l’artista reinventa ed allontana i fantasmi di magrittiana natura rendendo la finzione di uno scatto una concreta e tangibile modalità percettiva. Il mondo di cui Scimone parla nelle sue foto esiste, ma solo nei confini delle sue opere, nelle sensibili intuizioni delle sue graffiate visioni. Il dato rubato alla vita oggettuale assume un nuovo significato all’interno dello spazio compositivo che suggerisce sintetiche leggi di plasticità e rigore virando di continuo tra poli estremi fatti di “bianco & nero”, comprendendo, nelle variazioni tonali del grigio accolto nella scena, una molteplicità di significati che rimbalzano tra sprofondamento e svelamento. Sprofondamento e svelamento protagonisti di un’idea personale di narrazione, intesa come pensiero che si trasforma. Per Scimone la sua segnica di graffi determina delle distrazioni che hanno il preciso compito di far emergere il sotterraneo racconto nascosto sotto la pelle che incarta i suoi soggetti. È come un viaggio a ritroso che utilizza il segno per giungere alla comprensione del gesto originario e da qui esplorare la spontaneità, la natura, la vita; elementi tutti pesati nella loro solidità e non nella vuota apparenza. In tal modo l’esito a cui giunge esprime il concetto di un realismo-spaziale, dove l’immagine racconta e il graffio scopre l’atmosfera e lo spazio in cui respirano i sentimenti e corrono le tensioni proprie dei soggetti scelti per i suoi scatti. Come non pensare alla serie dei suoi naufragi sociali che racchiusi nel titolo di #habitat raccontano storie che sono di ciascuno di noi: quelle desolanti e prive d’umanità di un’archeologia industriale o crudeli e insensate dello sviluppo perverso di costruzioni che hanno violato le periferie delle nostre città. Come non vedere quindi in queste icone contemporanee la stessa natura della serie #relitti che attraverso frammenti di “barconi della morte” hanno rubato al silenzio di un fondale marino una testimonianza: il fallimento di un progetto di speranza per tante persone, l’umiliazione del Senso. L’immagine impone sempre un superamento della visione, suggerisce un continuo naufragio percettivo. I suoi graffi rendono l’artista protagonista bipolare di un destino tra carnefice e vittima; i suoi segni umanizzano la realtà anche oggettuale facendocela avvertire come presenza che talvolta approda ad una dimensione visionaria e annebbiata. Ecco, ci accoglie la serie dei suoi #silenzi con immagini sintetiche ed evocative, i ritratti emblematici di #noi, il rumore di #voci che registrano una dilatata quotidianità ed infine #oltre per trovare l’uomo come collante tra religioni diverse, accomunate dalla forza centripeta della preghiera, intesa come dialogo elettivo tra noi e ciò che a noi è complementare. La sintesi del risultato a cui giunge porta Scimone a ritrovarsi nell’ossimoro di un “barocco silenzioso” della rappresentazione visiva mediante un taglio descrittivo e narrativo solo apparentemente inquadrato, chirurgico, composto, dettagliato e infinitamente variato. Al fruitore invece è offerto uno smarrimento sinestetico, una contaminazione di sensi, in cui la forza espressiva delle immagini trasuda nell’alveo della poesia intesa come intima aderenza, fragile contatto. 

Antonio Vitale